Пабло Пикассо — кубизм и русский балет: факты о творчестве живописца
Пабло Пикассо – живописец, скульптор, гравер, поэт, керамист. Один из самых знаменитых художников в мировой культуре XX века. Основатель кубизма, соавтор коллажа и создатель «кубической скульптуры». Подробнее о том, чем интересен Пикассо, и о его творчестве – в материале 24СМИ.
Факты биографии
Полное имя художника длинное, трудно запоминаемое. Но главное в том, что их два. Одно – в свидетельстве о рождении – Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис Пикассо. А второе, отличающееся от первого, вписано в свидетельстве о крещении – Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо.
Пабло Пикассо родился в 1881 году, 25 октября, в доме № 36 на площади Пласа-де-Рьего в Малаге, городе на юге Испании. Фамилия Пикассо итальянского происхождения. Считается, что его прадед родом из предместья Генуи. Свои полотна художник начинает подписывать отцовской и материнской фамилиями, а с 1901 года остановится только на материнской. Ее можно произносить на испанский манер с ударением на «а» или на французский с ударением на последний слог.
Отец художника – Хосе Руис Бласко. Мать – Мария Пикассо Лопес. О матери известно мало, но, вероятно, сын относился к ней с большим уважением, раз из двух фамилий выбрал материнскую. Внешность женщины можно увидеть на «Портрете матери художника», созданном Пабло Пикассо в 1923-м. Это не единственный портрет членов семьи, но один из красивейших. В 1896 году Пабло пишет портреты отца и сестры.
Отец – художник и профессор живописи в провинциальной Школе искусств города Сан-Тельмо. Когда в 1891 году школа закрылась, семья переехала в порт Ля-Корунья, а затем в Барселону.
Пабло два года получал образование в Барселонской школе изящных искусств, куда устроился работать отец. Он был не по годам развитым учеником. Согласно одной из биографических легенд, увидев в сыне большой художественный потенциал, отец отдал ему собственные принадлежности для рисования и больше никогда в жизни не касался кистей и холста.
Неизвестно, насколько правдива эта история, но Пабло Пикассо писал в биографии: «Когда я был ребенком, мама говорила: "Если ты собираешься быть солдатом, ты будешь генералом. Если захочешь стать монахом, то в конечном итоге окажешься папой римским". Вместо этого я стал художником и в итоге стал Пикассо».
Первые картины
Период раннего Пикассо отмечен полотнами в академическом стиле. Первая из академических картин называется «Первое причастие». Написана в 1896-м. На ней изображена девушка в белом, стоящая перед алтарем и принимающая первое причастие. Пикассо никогда не был истово верующим. Но его рисунки 1895–1896 годов затрагивают моменты из жизни Иисуса Христа и святых. В это время молодому художнику исполняется всего 15 лет. «Первое причастие» демонстрирует умение рисовать в жанре мастеров старой школы. Но такие полотна скорее исключение для творчества Пикассо, чем норма.
Каталонское влияние
Каталония – область на северо-востоке Пиренейского полуострова. Если посмотреть на фото старинных каталонских построек в сельской местности, то можно увидеть истоки кубизма. Это неровные кирпичи в кладке стен и дополняющая их черепица. Т. е. здание – целый объект, составленный из многих мелких и не совсем ровных элементов.
Но в ранний период творчества живописца больше интересует модернизм. Новые технологии и материалы XX века порождают новые здания, механизмы, формы. Растущий класс буржуа пытается показать, что не чужд искусству. Поэтому стены зданий украшают изящные декоративные элементы. В это время Пикассо рисует много портретов: «Доктор Рамен Перес Косталес», «Портрет Паллареса», «Портрет бородатого мужчины», а также создает пейзажи «Порт Барселоны», «Коррида», «Человек в парке». Но столица окажется не слишком восприимчивой к его раннему творчеству.
Он побывает в Мадриде, вернется в Барселону и снова уедет в 1900 году в Париж. Там Пикассо посетит Всемирную выставку, где представят и его картину «Ультимос моментос». К настоящему времени это полотно считается утраченным. В Париже он познакомится со своим первым арт-дилером и с владельцами парижских художественных галерей.
Голубой период творчества
Голубым называют период с 1901 по 1904 год, когда в работах мастера преобладают синие оттенки. В это время художник переживает неприятный период. Его друг Карлос покончил с собой. Пабло пишет в память о друге «Похороны Касагемаса». Считается, что художник впал в депрессию и использовал синие оттенки для рисования. Еще одно объяснение – у Пикассо не было денег, чтобы купить другие краски.
Он рисует бедняков и нищих. Среди картин: «Трагедия», «Завтрак слепого», «Жизнь», «Аскет». Главная «фишка», за которую ценят полотна Пикассо, – передача эмоционального состояния. Например, на картине «Старый гитарист» изображен мужчина, обнявший гитару. Музыкальный инструмент – единственное, что есть у гитариста. И это единственный предмет в натуральном цвете.
Зритель видит одиночество и печаль мужчины и сопереживает ему. Кроме того, что это работы с высокой эмоциональной окраской, это еще и символы. Гитарист может положиться только на себя, на собственный музыкальный инструмент, т. е. его одиночество обусловлено социумом и рабочими отношениями. Такое же одиночество способен ощутить каждый.
Еще одна характерная черта – неестественно вытянутые линии фигур. Это подражание манере рисования Эль Греко.
«Девочка на шаре», написанная в 1905 году, стала произведением, символизирующим переход от голубого к розовому. Здесь сочетаются оба цвета. Синий – в фигуре гимнастки и розовый – в остальном пространстве. Под влиянием «Девочки на шаре» в СССР писатель Виктор Драгунский напишет рассказ с одноименным названием, а Министерство связи выпустит марку с репродукцией картины.
Розовый период
Розовым называют период между 1904–1906 годами. Художник использует для творчества розово-красные оттенки. Это самый странный из его творческих периодов. Даже современники и друзья не поняли автора. Поэтому однозначных объяснений картинам нет. Одни биографы пишут, что Пабло Пикассо пытался рисовать то, для чего не был создан: корриду, всадников. Другие считают, что художник пытался донести месседж «пришло время нового искусства».
В личной жизни Пикассо все складывается неплохо. Он знакомится с Гийомом Аполлинером, предшественником сюрреализма, в 1904 году. Между мужчинами завязывается дружба. Берет уроки работы с гравюрами у Рикардо Канальса-и-Лламби. Они тоже много общаются. Но главное то, что в доме нового знакомого художник встречает первую любовь – Фернанду Оливье, подругу жены Лламби. В это время Пабло и его возлюбленной Фернанде едва исполнилось по 21 году. Они молоды и по-настоящему влюблены.
Один из главных образов розового периода – арлекины: «Акробат и юный арлекин», «Арлекин, сидящий на красном диване», «Арлекин с бокалом». О своих впечатлениях от них Гийом Аполлинер напишет: «Под блестящей мишурой шутов воистину чувствуется жалость к этим хитрым, коварным, лукавым лжецам из простонародья». Главная работа этой серии – «Семья комедиантов», изображающая группу шутов. Британский искусствовед Джон Ричардсон написал в исследовании, что атмосфера картины и странный внешний вид фигур вызваны тем, что в это время Пабло Пикассо курил опиум по несколько раз в неделю.
В 1906 году тема арлекинов заканчивается. Художник переходит к рисованию всадников и портретов. Среди них «Портрет Гертруды Стайн», «Автопортрет», «Голова женщины», «Лошадь».
Кубизм и протокубизм
В 1906-м Пабло Пикассо создает «Авиньонских девиц». Авиньон – здесь не город, а улица в Барселоне, где расположен знаменитый местный бордель. Соответственно, девушки на картине – представительницы древнейшей профессии.
Однако фигуры нарисованы с нарушением всех академических приемов (перспективы, цвета, тени). Пропорции фигур тоже нарушены. Глядя на результат, современники оказались шокированы. Но, возможно, этого эффекта и добивался художник – вызвать дискуссию в обществе о новых путях в искусстве. «Авиньонские девицы» – это протокубизм, картина, предшествующая кубизму.
Название нового течения «кубизм» возникло случайно из-за способа передачи объектов реальности. Они как будто нарисованы кубиками. 1904–1910 годы – время протокубизма, когда художники подражают манере Поля Сезанна. В этом жанре Пикассо пишет портреты своих арт-дилеров: Амбруаза Воллара, Вильгельма Уде, Даниеля Анри Канвейлера. В таком же стиле он создает натюрморты («Натюрморт со стаканом и лимоном», «Ваза с цветами»), работает над пейзажами («Греческая лодка в Кадакесе») и пишет бессюжетные вещи, такие как «Кубистическая композиция».
За периодом протокубизма следуют аналитический (1911–1912) и синтетический кубизм (1913–1914). Аналитический связан с анализом формы у художника. Автор «раскладывает» предмет на группу плоскостей, расположенных под разным углом по отношению к зрителю. Привычные очертания исчезают. Полотна, написанные под влиянием аналитического кубизма, – это натюрморты и композиции, составленные из бытовых предметов.
На следующем этапе (синтетического кубизма) авторы пытаются проделать обратное действие – собрать предмет заново. Но сделать это довольно сложно. Поэтому полотен, которые бы относились к синтетическому кубизму, у всех последователей этого творческого направления меньше, чем тех, что появились на раннем этапе возникновения течения. Первый коллаж Пикассо, который относят к синтетическому кубизму, – «Натюрморт с соломенным стулом». Здесь изображение соединяется со вклеенной клеенкой и бумагой.
«Русские балеты» Дягилева
В 1916–1917-м Пикассо становится художником декоратором. Жан Кокто знакомит его с труппой «Русские балеты» Сергея Дягилева. Первой работой Пикассо-декоратора становится оформление к балету «Парад». В январе 1917 года он подписывает с Дягилевым контракт на изготовление сценических декораций и костюмов для «Парада» на сумму 5000 франков.
В марте 1917-го Дягилев приглашает Кокто и Пикассо в поездку в Неаполь. Там художник посетит руины Геркуланума и Помпей. Побывает на вилле Медичи. После гастролей по Италии вернется в Париж.
В труппе Дягилева Пикассо знакомится с танцовщицей Ольгой Хохловой. Она станет его первой женой. Влюбленный в Ольгу художник создает около 10 ее портретов: «Ольга Хохлова в мантилье», «Портрет Ольги в кресле». Ольга настаивает на том, чтобы ее портреты оставались узнаваемыми. Поэтому в творчество Пикассо вновь возвращается реализм. Он существует наравне с кубизмом и новой серией арлекинов.
Период сюрреализма
После того, как Пикассо женился на Ольге и у пары родился сын, он наслаждается счастливой семейной жизнью. Параллельно общается с парижской интеллигенцией, рисует картины и спорит с критиками. Но внутри накапливается раздражение по отношению к женщинам. Его причины не до конца понятны. Обычно биографы выстраивают цепочку от смерти Касагемаса, в которой Пикассо винит пассию друга. Затем отмечают недовольство женой. Пикассо якобы считает, что женщины разрушают его изнутри, и это выливается в агрессию по отношению ко всем дамам.
В 1925 году он начинает писать странные «угловатые» картины. Его «Поцелуй» больше похож на объятия двух монстров в результате которого рождается что-то третье, мало напоминающее человека. «Мандолина, ваза, мраморная рука» – натюрморт в красно-коричнево-зеленых тонах. Судя по внешнему виду, рука, лежащая на столе, может интерпретироваться не только как мраморная. Тем не менее Пикассо не становится полностью сюрреалистом, как Сальвадор Дали.
Период Минотавра
В 1933 году издатель Альберт Скира просит Пабло Пикассо проиллюстрировать обложку журнала «Минотавр». По изобилию нарисованных мифических быков период 1933–1938-го называют «минотавромахией». Считается, что сюжеты с минотаврами отражают внутреннюю борьбу. Отношения с Ольгой к 1931-м испортились, и в жизни художника появилась новая возлюбленная – Мария-Тереза.
Период очередной влюбленности вылился в такие картины, как «Фигуры на пляже», «Женщина-цветок», «Мария-Тереза анфас и профиль». К 1933 году отношения становятся все более запутанными. Это тяготит художника, разрывающегося между «правильно» и желаниями собственной натуры. Поэтому он создает серию быков: «Минотавр», «Минотавр с кинжалом», «Коррида», «Бой между быком и лошадью». В 1935 году он официально расстанется с Ольгой, а через несколько месяцев после развода Мария-Тереза родит девочку Майю.
«Герника»
«Герника» – культовая картина Пабло Пикассо. В 1936 году начинается гражданская война в Испании. Республиканцы выступают против националистов во главе с генералом Франко. 26 апреля 1937-го немецкие самолеты разрушают город Гернику. В бомбежке погибло около 1600 человек. Пикассо приходит в ужас.
В знак протеста против диктатуры Франко живописец создает серию из 18 гравюр под названием «Мечта и ложь Франко». 1 мая приступает к работе над крупнейшим проектом. Картина «Герника» символизирует ужас войны и трагедию гибели множества невинных жертв. Размер – 3,49 x 7,76 м. Цвет – черно-белый монохром. Стиль – кубизм и экспрессионизм.
Его следующая возлюбленная Дора Маар фотографирует весь процесс создания картины перед ее установкой в выставочном павильоне. Дора послужит моделью не только для ряда портретов, таких как «Дора Маар с кошкой», «Портрет Доры Маар», но и для двух десятков вариаций «Плачущей женщины» как символа страдания.
Интерпретаций изображенных персонажей и того, что хотел сказать художник, множество. По легенде, когда Даниель Анри Канвейлер спросил о разъяснении символов, то Пикассо ответил: «Бык – это бык, а лошадь – это лошадь... Художник не должен объяснять символы. Иначе проще записать, а не рисовать. Необходимо, чтобы публика интерпретировала так, как понимает».
Через 20 лет после создания «Герники» Пабло Пикассо заказал по ней гобелен. Всего их создано 3. Сегодня гобелены находятся в штаб-квартире ООН в Нью-Йорке, в художественном музее города Кольмар (Франция) и в Музее Гунма в Японии. Об отношении к войне художник писал, что картины создаются не для украшения квартир. Они наступательное и оборонительное средство для борьбы с врагом.
Однажды на выставку в Париже, где была выставлена копия «Герники», пришел посол Отто Абец. Он якобы спросил у Пикассо: «Это ты сделал?» «Нет, – ответил художник. – Это сделали вы».
В годы войны Пабло Пикассо продолжал жить в Париже. Он был достаточно известен, чтобы не опасаться ареста, и, скорее всего, попросту не общается с теми, кто вызывает подозрение. Хотя в досье, созданном нацистами, записано «анархист», никаких мер в отношении Пикассо гестапо не предпринимало. После Второй мировой биографы пытались рассказать, что якобы Пикассо в своей мастерской скрывал участников Сопротивления. Но это было настолько очевидной ложью, что в результате парижане бойкотировали выставку художника.
Голубь мира
В феврале 1949 года в парижскую студию Пикассо пришел писатель Луи Арагон, чтобы выбрать рисунок для афиши Всемирного конгресса сторонников мира. Он взял голубя, выполненного синим карандашом на бумаге. С тех пор рисунок стал всемирно известным «Голубем мира».
В этом же году у художника родилась дочь от Франсуазы Жило. Ее назвали Паломой в честь символа. La paloma переводится с испанского как «голубь». Повзрослевшая Палома назовет свою дочь Пас в честь испанского слова «мир» – la paz.
Пикассо-иллюстратор и поэт
В 1931 году Пикассо иллюстрирует две книги. Это поэма «Метаморфозы» Овидия и рассказ Оноре де Бальзака «Неизвестный шедевр». Всего за всю жизнь он проиллюстрирует около 150 литературных произведений. В 1935-м Пикассо сам будет писать стихи и создаст около 400 стихотворений. Его крупнейшим произведением станет пьеса «Желание, пойманное за хвост», написанная в 1944-м.
Наследие
Пабло Пикассо умер 8 апреля 1973-го. К этому моменту ему исполнился 91 год. Причина смерти – тромбоэмболия легочной артерии. Он стал автором 50 тысяч работ. Перечень включает картины, скульптуры, керамику, рисунки, гравюры и гобелены.
Его состояние оценивалось в 700 млн евро (по состоянию на 2010-й), не считая авторских прав. Посмертной популяризацией работ художника активно занимаются коллекционеры. В их среде считается правилом хорошего тона иметь в коллекции минимум одну работу Пикассо. Стоят картины довольно дорого. В 2004 году на аукционе по продаже коллекции Дж. Уитни, коллекционера из США, «Мальчик с трубкой» кисти Пикассо ушел покупателю за немалую сумму – 104 млн долларов.
Критика творчества
О творчестве художников XX века часто говорят: «Они рисовали как дети-пятилетки, но мой ребенок может и лучше». Это касается и работ Пикассо.
В какой-то степени выражение справедливо. Но Пабло Пикассо высказывал по этому поводу собственное мнение. Он говорил, что в 9 лет рисовал как Рафаэль, но потратил жизнь, чтобы научиться рисовать как дети. Поэтому примитивизм и манера детского рисунка – результат сознательного поиска новых путей развития живописи. На протяжении жизни художник много раз менял стиль, продолжая искать и открывать новые грани изобразительного искусства.